Unsere Jukebox ist gespickt mit Preziosen der Musikgeschichte bis 1962: Rock & Roll, Rhythm & Blues, Mambos, Cha Chas, Exotisches, unglaublich Seltsames!
Die Musikgeschichte birgt mehr Geheimnisse, als Sie glauben…
„Down At The Ugly Men’s Lounge“ ist gerne behilflich, einige von ihnen aufzudecken.
Zum Hören und Tanzen genügen unsere grandios zusammengestellten Zehn-Zoll-Langspielplatten.
Zum Nachlesen der Fakten über die Künstler von „Down At The Ugly Men’s Lounge“ gibt es diese Website.
04 “Stay Away From Me” – BOBBY BERNELL & The Dreamtones
05 “Tea House Blues” – CRAZY JOSÉ
05 “Can You Feel It?” – ED GATES & His Custom Hammond Organ
06 “Good Rockin’ Tonight” – ARTHUR PRYSOCK
06 “Route 66” – AL BROWN & His Tunetoppers
07 “Darling” – CHARLIE GREEN
07 “Aladin Cha Cha” – AIMABLE, His Accordion & His Organ
“Double Talk” – THE PLAYBOYS
The Playboys aus Philadelphia begannen um 1951 Philadelphia mit dem typischen „Northern Band Sound“ ihrer Heimatstadt. Der Gründer der Gruppe war der Saxophonist Ray Dee (eigentlich Ray D’Agostino). Nach einigen Umbesetzungen, regionalen Erfolgen und dem Herumexperimentieren mit verschiedenen Rhythmen und Stilen bei mehreren Plattenfirmen gelang ihnen 1958 mit der Ballade „Over The Weekend“ endlich der große Wurf. Dabei wurde die mitreißende B-Seite der Single vom großen Publikum geflissentlich übersehen. „Double Talk“ war eine Komposition von zwei Ex-Mitgliedern bahnbrechender Rhythm & Blues-Gesangsgruppen: Leonard Puzey (1926 – 2007) war ein Mitbegründer der Ravens und Gregory Carroll (1929 – 2013) sang ein paar Jahre bei den Orioles. Seit ihrem gemeinsamen Jahr bei den Dappers (1956) arbeiteten sie als Songschreiber zusammen. „Double Talk“ erwies sich als ideale Rock & Roll-Nummer, die 1958 auch von Conway Twitty (als „Double Talk Baby“) gesungen wurde.
Zur Zeit der Aufnahme von „Double Talk“ bestanden die Playboys aus Ray Dee (Tenorsaxophon), Ronnie James (Gitarre), Irv Mellman (Piano), Lou Mauro (Drums), Joe Franzosa (Bassgitarre) und dem kurz zuvor zur Gruppe gestoßenen Sänger Sammy Vale. Außerdem war bei der Aufnahme im Studio ein unbekannt gebliebener Baritonsaxophonist zugegen. Später kam als neuer Pianist Russ Conti, ein ehemaliges Mitglied von Freddie Bell & The Bell Boys, in die Band.
Die Playboys veröffentlichten ihre letzte Platte im Jahre 1962 und traten noch bis 1964 auf.
“One Arabian Night” – THE FOUR TOPHATTERS
The Four Tophatters, Pat Vassello (Trompete), Carmen Falconieri (Gitarre), Chet Sondinsky (Akkordeon) und Blazie Pollack (Bass) gaben 1954 ihr Debut auf der Rock & Roll-Bühne.
Ihre Einstandsplatte „Dim Dim The Lights“ erregte gleich soviel Aufsehen, dass die Nummer sogar von Bill Haley gecovert wurde, der damit immerhin einen Nummer-11-Hit hatte.
Archie Bleyer, Inhaber der Plattenmarke Cadence und Produzent der Four Tophatters in Personalunion, verordnete den vier Zylinderhut-Trägern (nichts anderes bedeutet „Tophatters“ – dabei trugen sie diese vornehmen Kopfbedeckungen auf keinem einzigen ihrer Fotos!) von Anfang an einen Studio-Schlagzeuger, der für den aktuellen Rock & Roll-Rhythmus sorgte. Bei „One Arabian Night“ ging er 1956 noch weiter: Keine Trompete mehr, auch kein Akkordeon, stattdessen zwei Saxophone. Arabien halt…
“A String Of Pearls” – BILLY FORD & His Combo
Den meisten Käufern des 1958er Riesenhits „La Dee Dah“ von Billy & Lillie (und es gab viele, sehr viele Käufer…) dürfte nicht bewußt gewesen sein, dass sie in Wirklichkeit einer Platte der Billy Ford Combo lauschten.
Der Trompeter Billy Ford (1919 – 1983) gründete sein eigenes Ensemble 1945 nach Lehrjahren in namhaften Orchestern. Je nach Plattenmarke hießen die Bands, denen er vorstand Musical V-8’s oder Thunderbirds. Nur bei Josie firmierte er schlicht als Leader seiner „Combo“. 1955, zur Zeit der Aufnahme von „A String Of Pearls“, einem Standard aus dem Glenn-Miller-Repertoire, bestand die Band neben Billy Ford wahrscheinlich aus Freddie Pinkard (Drums), Frisco Bombay (Gitarre), Howard Anderson (Piano), Jimmy Holmes (Tenorsaxophon) und Frederick „Money“ Johnson (Bass).
Lillie Bryant (die Lillie von Billy & Lillie) stieß erst zwei Jahre später zur Gruppe und der Rest ist Geschichte.
“Why Don’t You Do Right” – PAT MORRISSEY
Uh… Oh… Pat Morrissey…..
Manchen gilt sie als eine der Top 5 Jazz-Sängerinnen aller Zeiten. Andere halten sie schlichtweg für die schönste Vokalistin der 50er Jahre. Die meisten aber haben noch nie von ihr gehört.
Pat Morrissey wurde 1929 geboren und erlebte ihren Eintritt ins Showbusiness als Kinder-Actrice in Radio-Hörspielen. Als Gesangsprofi hatte sie ihr Debüt 1952 in einem Nachtclub in Florida. Schnell sprach sich ihr Talent herum und sie gastierte in Clubs wie dem New Yorker La Vie En Rose oder dem Crescendo in Hollywood.
Ende 1953 wurde das nebenstehende Foto veröffentlicht. Es war Teil der Presseankündigung, dass dieser platinblonde Newcomer die Hauptrolle in einem Film über Mae West spielen sollte.
Der Film kam nie zustande. Aber Schallplattenaufnahmen – die gab es! Eine Handvoll Singles und zwei Langspielplatten legen noch heute beredt Zeugnis von ihrer besonderen Sangeskunst ab.
„Why Don’t You Do Right“ ist im Original ein 1941er Blues-Klassiker von Lil Green. 1943 kam Benny Goodmans Fassung mit der Sängerin Peggy Lee auf den Markt, aber 1957 war die Nummer Teil des ersten Albums von Pat Morrissey – eine Sensation!
Leider eine Sensation ohne Breitenwirkung…
Schon in den 50er Jahren war Pat Morrissey gelegentlich in Londoner Nightclubs zu hören.
Anfang der 60er Jahre zog sie ganz nach England, heiratete einen adligen Millionär und ritt fortan in Tweed gekleidet über die lieblichen Hügel des vereinigten Königreichs.
Ein Foto noch:
Eine Pressemitteilung vom 9. Januar 1956: Pat Morrissey stellt der Welt in einem Chicagoer Schönheitssalon eine bahnbrechende Erfindung vor: eine Frisierhaube mit eingebauten Lautsprechern!
Science Fiction pur!
“Tea House Blues” – CRAZY JOSÉ
Wer war Crazy José? Der Hüllentext des 1959 erschienenen einzigen Crazy José-Albums ist zwar über alle Maßen geschwätzig, verrät aber rein gar nichts. Drei Namen immerhin tauchen auf: die der Produzenten Herb Wasserman und Ray Passman, die auch in unterschiedlichen Konstellationen an fünf Nummern des Albums mitkomponiert haben. Ein weiterer Name ist Dwier, der zwei der Stücke geschrieben hat, darunter auch den „Tea House Blues“.
Bei aller Geheimniskrämerei: Das Konzept der durchgeknallten Rock-Chas mit verstimmtem Piano ging voll auf!
“Good Rockin’ Tonight” – ARTHUR PRYSOCK
Arthur Prysock (1924 – 1997) gehörte zur Riege machtvoller Baritone, wie sie Mitte der 40er Jahre überall auftauchten. Nahezu jeder Rhythm & Blues-Bandleader suchte damals seinen eigenen Billy Eckstine-Nachahmer und Arthur Prysock erhielt den Zuschlag von Buddy Johnson, dem „King Of The One-Nighters“. Nach acht Jahren mit dem Johnson-Orchester machte sich Prysock 1952 selbständig und blieb bis zu seinem Tod einer der populärsten schwarzen Entertainer mit Hits bis in die 70er Jahre, einer (wenn auch kurzlebigen) eigenen Fernsehshow und verschiedenen Grammy-Nominierungen.
Für den ausgewiesenen Balladenspezialisten Arthur Prysock war die Idee, ausgerechnet Roy Browns 1947er R&B Klassiker „Good Rockin’ Tonight“ aufzunehmen und sich dabei in eine Reihe mit Wynonie Harris und Elvis Presley zu stellen, definitiv ein B-Seiten-Projekt. Und so fand sich diese Nummer auf der Rückseite seiner 1960er Single „My Everything“.
“Darling” – CHARLIE GREEN
Zu Beginn der 60er Jahre wurde der französische Schallplattenmarkt mit einer steten Folge von Charly Green-Veröffentlichungen beglückt. Einen einheitlichen Stil oder eine gleichbleibende Besetzung gab es nicht – manche Musikhistoriker vermuten sogar, dass Charly Green lediglich ein Pseudonym ist, unter dem die Aufnahmen verschiedener Studiogruppen zusammengefasst wurden. Mag sein…
„Darling“ von 1962 ist und bleibt eine exzellente, mitreißende Shuffle-Nummer.
“Party Time” – THE RAY-O-VACS
Als im Jahre 1954 „Party Time“ von den Ray-O-Vacs eingespielt wurde, hatte die Band eine große stilistsische und personelle Häutung hinter sich. Fünf Jahre zuvor waren sie auf der Szene aufgetaucht: Eleganter und jazziger Combo-Sound, lässige Interpretationen altbekannter Popsongs (ihre Version von „Besame Mucho“ war einer der R&B-Top-Hits des Jahres 1950), getragen von der leicht schläfrigen Stimme von Lester Harris (eigentlich Harry Lester) – unwiderstehlich, wie Dutzende von Einspielungen immer wieder bewiesen.
Die Band bestand aus dem erwähnten Lester Harris (Gesang und Cocktaildrums, eine Art Mini-Stehschlagzeug, damals weit verbreitete als Nebentätigkeit für Sänger), Leoparte „Chink“ Kinney (Tenorsaxophon), Joe Crump (Piano) und dem Bandleader Jackson „Flap“ McQueen (Bass). 1951 verließ Lester Harris die Gruppe und versuchte eine Solo-Karriere; er verstarb schon im Februar 1953 mit dreiunddreißig Jahren.
Sein Nachfolger war der stimmlich ähnlich gelagerte Herb Milliner. Es kamen mehr Platten, auch mit der Sängerin Babe Hutton (auf manchen Pressungen auch als „Babs Hallaman“ ausgewiesen). Und dann schlug die Stunde des William Walker. Er brachte als neuer fünfter Mann nicht nur eine kantig klingende Gitarre in die Band, sondern verstand sich auch auf einen rauhen und ungestümen, irgendwie ländlich und gospelig anmutenden Shout-Gesang.
Ein erstes Beispiel des „neuen“ Ray-O-Vacs-Sounds kam Anfang 1954 auf dem mikroskopisch kleinen Emjay-Label heraus, „Having A Ball Tonite“ – fast unter Ausschluss der Öffentlichkeit.
Dann aber nahm sich im selben Jahr der Arrangeur, Komponist und Produzent Howard Biggs der Sache an.
Er verordnete der Band ein gutes Studio, dem Song ein bisschen mehr Arrangement, gab ihm den neuen Titel „Party Time“ und vermittelte der Band einen Vertrag mit dem Kaiser-Label. Zwei Jahre später brachte Atlantic die Aufnahme auf seinem Atco-Label heraus.
Viel Aufwand für einen Song, der letztlich erfolglos blieb.
Die Ray-O-Vacs verabschiedeten sich Ende der 50er Jahre von der Musikszene.
“Hey, Mrs. Jones” – TINY TONY & The Statics
1964 veröffentlichte die in Seattle, Washington beheimatete Marke „Bolo“ stolz ein Album mit seinen bis dato veröffentlichten lokalen Hits. Da durfte die 1962er Erfolgsnummer „Hey Mrs. Jones“ von Tiny Tony & The Statics nicht fehlen.
Dieses schwarz-weiße Sextett aus Burien, Washington bestehend aus Anthony „Tiny Tony“ Smith (Gesang), Merrilee Gunst (Wurlitzer-Piano, Gesang), Karl Peters (Drums), Bruce Robertson (Bass), Neil Rush (Tenorsaxophon) und Jim Spanos (Gitarre) gehörte zu den Top Combos auf den College Parties zwischen Seattle und Tacoma.
„Hey Mrs. Jones“ war zwar nur ein regionaler Hit, aber der Song selbst kam herum:
Es gab Coverversionen u.a. von Jimmy Witherspoon, Ramsey Lewis und der Buddy Morrow Big Band.
Merrilee Gunst heiratete Neil Rush, hieß fortan Merrilee Rush und wurde gegen Ende des Jahrzehnts mit dem Titel „Angel Of The Morning“ ein großer Popstar. Ob sie noch manchmal an jenen fernen Tag im kleinen Bolo-Studio zurückdachte, als sie hinter ihrem elektrischen Klavier sitzend die Rolle der Mrs. Jones spielte?
“Mambo Rock” – JOHN BUZON Trio
In den 50er Jahren war die Trio-Besetzung Hammondorgel/Tenorsaxophon/Schlagzeug in den USA omnipräsent. Ob Jazzlokal, R&B-Schuppen, Tanzbar oder Seniorennachmittag: Alles ließ sich in dieser Besetzung bespaßen, zumal der Hammondspieler auch noch die Funktion des Bassisten mit seinen Basspedalen übernahm und man so einen Mann einsparen konnte. Also auch ökonomisch interessant!
Das John Buzon Trio konnte alles – so vielseitig war das Repertoire der drei Musiker Jack Russell (Schlagzeug), Loren Holding (Saxophon, Klarinette und Flöte) und John Buzon (Hammondorgel). Auf „Inferno!“, dem 1959 erschienenen ersten ihrer drei Alben, demonstrierten sie die Vielseitigkeit ihres Repertoires und ihre Geschmeidigkeit, wenn es darum geht, auf Wunsch zwei Stile zusammenzubringen.
Rock & Roll? Mambo? Kein Problem – „Mambo Rock“!
Es handelt sich bei diesem „Mambo Rock“ übrigens um eine gänzlich andere Nummer als beim Song gleichen Namens, die Mike Pedicin und Bill Haley ein paar Jahre zuvor aufgenommen hatten.
“Stay Away From Me” – BOBBY BERNELL & The Dreamtones
Bei Fortune Records in Detroit war alles ein bisschen anders. Vor allem die Qualität des Studios. Und die hemdsärmelige Professionalität der Musiker. Die Firma wurde 1946 von Devora Brown gegründet und veröffentlichte bis in die 70er Jahre hinein neues Material.
Allerdings: Fast alles, was da Anfang und Mitte der 60er Jahre auf Fortune oder dem Schwesterlabel Hi-Q erschien, klang wie topaktuelle Musik aus einer Epoche mindestens zehn Jahre zuvor. Gerade die zwei Platten, die das hörbare Werk von von Bobby Bernell bilden, sind dafür beste Beispiele. 1964 kam seine Rockabilly-Single „Move Over Big Dog“ heraus. Sie klang, als sei sie ein Jahrzehnt zuvor in Memphis entstanden. Sein Rhythm & Blues-Versuch „Stay Away From Me“, zwei Jahre zuvor gemeinsam mit der Vokalgruppe The Dreamtones eingespielt, verkörpert aufs Feinste den typischen Do-It-Yourself-Charme von Fortune Records.
“Can You Feel It?” – ED GATES & His Custom Hammond Organ
Der Sänger Ed Gates White (1919 – 1992) veröffentlichte die meisten seiner Schallplatten zwischen 1948 und 1962 unter prachtvollen Namen wie The Great Gates oder The Man From The Moon Gates. Da mutet das schlichte Ed Gates auf seinem 1962er Epos „Can You Feel It Pt. 1“ schon fast spartanisch an. Immerhin wird auf dem Label Dr. Kenneth Minor-Howell als Saxophonist aufgeführt. Das klingt angemessen flamboyant!
Obwohl als Sänger zeitweilig recht erfolgreich, verlegte er seine Aktivitäten ab 1956 auf das Betreiben eines eigenen Nachtclubs. Dort erst begann er, sich die Kunst des Klavierspielens selbst beizubringen. Bald kam die Orgel hinzu und ab 1959 waren seine Veröffentlichungen durchweg Orgel-Instrumentals.
Neben allerlei anderen Geschäftsaktivitäten blieb Ed Gates noch bis zu seinem Tod als Organist in Cocktail Lounges tätig.
“Route 66” – AL BROWN & His Tunetoppers
Al Brown war der erste Künstler, den wir Ihnen bei „Down At The Ugly Men’s Lounge“ vorgestellt haben.
Hier feiert er sein Comeback bei uns mit „Route 66“, jener unsterblichen Komposition von Bobby Troup. Al Browns Fassung entstand vermutlich schon 1960, wurde aber erst ein Jahr später veröffentlicht.
“Aladin Cha Cha” – AIMABLE, His Accordion & His Organ
Aimable Pluchard (1922 – 1997), kurz: Aimable, war über Jahrzehnte einer der populärsten Akkordeonisten Frankreichs.
Neben dem für französische Akkordeonisten üblichen Musette-Repertoire spickte er sein Programm regelmäßig mit exotischen Elementen. Dazu setzte er sich mitunter auch an die Hammondorgel.
Bei seinem „Aladin Cha Cha“, einer Gemeinschaftskomposition mit dem Filmmusik-Komponisten Gérard Calvi („Balduin der Trockenschwimmer“) aus dem Jahre 1960, bilden Akkordeon, Orgel, Orient und exotische Rhythmen eine perfekte Melange.
01 “Steamboat” – FRANKIE CASTRO & Carl Stevens Orchestra
02 “We Like Birdland” – THE SATELLITES
02 “Ooba Dabba Dabba Da” – ROMAINE BROWN & The Romaines
03 “The Dickie-Doo” – MIKE PEDICIN Quintet
03 “Ain’t Gonna Throw Any Rice” – RUTH WALLIS & Jimmy Carroll Band
04 “Too Much Chianti” – BRUNO, His Guitar & His Brunos
04 “Mambo Gunch” – CHRIS POWELL & The Blue Flames
05 “Love Charms” – DIANE MAXWELL
05 “Wine, Women And Gold” – THE CARSONS & Perry Botkin Band
06 “Dansero” – BILLY MURE’s Rocking Guitars
06 “Mexican Rock” – CARL “ACE” CARTER
07 “Track That Cat” – THE BONNIE SISTERS
& Mickey “Guitar” Baker
07 “My Funny Valentine” – MERI ELLEN & Her Cohorts
AUS DEM PROF. BOP-ARCHIV:
“Take Me Back” – AL BROWN & His Tunetoppers>
Der Saxophonist, Pianist und Sänger Al Brown (1929 – 2009) war über viele Jahre der Doyen der Rhythm & Blues-Szene von Baltimore. Schon sein Vater Alphonse war ein populärer Jazzmusiker und spielte u. a. eine Zeit lang im Orchester von Don Redman. Seine drei Söhne Al Jr. (Tenorsaxophon, Piano, Gesang), Charles (Altsaxophon) und Donald (Trompete, Gesang) ergriffen denselben Beruf und gründeten gemeinsam mit Grafton Martin (Gitarre), Andrew Walker (Bass), Orney Pate (Drums) und Cookie Brown (Gesang) die Tunetoppers, die sich unter der Leitung von Al zu einer begehrten Begleitband für Package-Tourneen durch die östlichen Südstaaten entwickelten. Bei Schallplattenaufnahmen wirkte regelmäßig die Baltimore-Jazzlegende Mickey Fields (Tenorsaxophon, Piano) mit.
Nachdem Al Browns Single “The Madison“ 1960 für einen weltweiten Dance Craze sorgte, erschienen ein Album und eine Handvoll weiterer Singles unter dem Namen Al Brown & His Tunetoppers, teilweise mit der Baltimore-Band, teilweise auch mit New Yorker Studiomusikern eingespielt. “Take Me Back“ kam ebenfalls 1960 heraus. Al Brown starb 2009 im Alter von 79 Jahren.
Mehr von Al Brown & His Tunetoppers gibt’s auf “Down At The Ugly Men’s Lounge Vol.2“
“We Like Birdland” – THE SATELLITES
“We Like Birdland“ in der Version der Satellites erschien erstmals 1960 auf dem kleinen Palace-Label. Danach wurde die Single bis 1964 noch auf verschiedenen Marken in Europa und den USA wiederveröffentlicht. Nachdem der Saxophonist Joey Ambrose (geb. 1934, auch bekannt als Joey d’ Ambrosio) 1955 gemeinsam mit dem Bassisten Marshall Lytle und dem Schlagzeuger Dick Richards bei Bill Haley & The Comets ausgestiegen war, gründeten die drei The Jodimars, die für einige Jahre einer der populärsten Rock & Roll Acts in Las Vegas waren. Nach dem Ende der Jodimars ging Ambrose in seine Heimatstadt Philadelphia zurück und formierte die Satellites, die schon kurz nach der Gründung der Band ebenfalls in den Lounges von Las Vegas auftraten.
Joe Ambrose verbrachte den größten Teil seines Musikerlebens auf den Bühnen und in den Orchestergräben der Spielermetropole, bis er in den 90er Jahren wieder regelmäßig weltweit mit seinen alten Kollegen von den Jodimars und anderen ehemaligen Comets als Bill Haley’s Original Comets auf Tournee ging.
“The Dickie-Doo” – MIKE PEDICIN Quintet
Auch der 2016 im Alter von 99 Jahren verstorbene Mike Pedicin war ein großer Name in der frühen Rock & Roll Szene von Philadelphia. Er formierte seine erste Swing Combo bereits 1940. Eines der Gründungsmitglieder war die spätere Rock & Roll-Legende Dave Appell, ein anderes der Bassist Lou de Francis, der seine gesamte Musikerlaufbahn bei Mike Pedicin verbrachte. Die Combo von Mike Pedicin gehörte zu den ersten weißen Ensembles, die in den Clubs von Philadelphia und im nahe gelegenen Ferienparadies Wildwood, New Jersey mit Rock & Roll-Versuchen experimentierten – zeitgleich mit anderen Pionieren wie Jimmy Cavallo, Charlie Gracie und Bill Haley. “The Dickey-Doo“ war der 1958er Versuch, einen Dance Craze für die von Dick Clark moderierte TV-Show “American Bandstand“ zu etablieren. Der Titel des Songs bezog sich auf Dick Clarks Sohn Dickie. Die andere Seite der Single war eine Wiederveröffentlichung: Schon 1954 war Mike Pedicins “Shake A Hand“, die Coverversion des ’53er R&B Hits von Faye Adams, erstmals herausgekommen. Jetzt, im zweiten Anlauf, wurde die Nummer zum größten Hit für das Pedicin Quintet. Der „Dickie-Doo“ aber war schnell vergessen. Bis jetzt.
Zum Zeitpunkt dieser Aufnahme bestand das Mike Pedicin Quintet aus dem Bandleader (Altsaxophon), Sam Cocchia (alias Sam Cooke, Gitarre), Buddy La Pata (Piano), Lou de Francis (Bass) und Al Mauro (Drums, Gesang).
“Too Much Chianti” – BRUNO, His Guitar & His Brunos
Bruno, his Guitar & his Brunos … eines der großen Rätsel der Musikgeschichte… oder auch nicht, denn wenn man alle Indizien zusammenzieht und zwei und zwei addiert, kommt man der Lösung dies Rätsels schnell näher.
Bruno… Gitarre… de Filippi… der Sound…
Wieder landen wir in der Musikszene von Philadelphia, deren Hauptprotagonisten zum größten Teil Italo-Amerikaner waren.
Einer der populärsten Bandleader war für lange Zeit Frank Virtue (eigentlich Frank Virtuoso, 1923 – 1994), der mit seinen verschiedenen Bands über die Jahre einige lokale Erfolge produzierte und 1958 mit dem „Guitar Boogie Shuffle“ zu internationalen Hit-Ehren kam. Sein Lead-Gitarrist war der hier abgebildete James Bruno.
Da Frank Virtue seine Aufnahmen in Eigenregie im eigenen Studio produzierte, etliche dieser Aufnahmen unter verschiedensten Namen an diverse Labels verkaufte und der Sound der Brunos exakt dem der Virtues entspricht, liegt die Vermutung nahe, dass es sich bei dieser Aufnahme mehr oder weniger um eine Nummer der Virtues handelt, bei der die Rolle des Bandleaders Combo-intern an den Kollegen Bruno weitergereicht wurde. Sollte diese qualifizierte Theorie stimmen, waren wohl die Musiker Ralph Federico (Piano), Frank Virtue (Bass), Joe Vespe (Drums) und Joe Renner (Tenorsaxophon) an der Einspielung beteiligt.
Der Titel „Too Much Chianti“ von 1961 spielt natürlich auf den Vorjahres-Hit der Champs „Too Much Tequila“ an.
Die Aufnahmen von Bruno, his Guitar & his Brunos erschienen auch in Frankreich und Italien.
“Love Charms” – DIANE MAXWELL
Ständig auf der Suche nach Teenager-Talenten wurde der Songwriter und Musikverleger Billy Sherman 1958 während eines Amateur-Wettbewerbs der George Washington High School in Los Angeles auf die gerade sechzehnjährige Diane Maxwell aufmerksam. Er vermittelte ihr einen Auftritt in der prestigeträchtigen TV-Show von Lawrence Welk, wo sie das Publikum mit ihrer Version von “As Time Goes By“ bezauberte.
Nach einigen Verpflichtungen in der Fernsehsendung “Breakfast Club“ bot ihr die noch junge Plattenmarke Challenge, deren Mitbegründer der singende Cowboystar Gene Autry war, einen Schallplattenvertrag an.
Im Oktober 58, Diane hatte gerade ihren siebzehnten Geburtstag gefeiert, wurde ihr Album “Almost Seventeen“ aufgenommen, dessen Repertoire größtenteils aus aufwendig produzierten Balladen bestand. Für den exotischen Gehalt des Programms sorgte “Love Charms“, eine Komposition des umtriebigen Pianisten, Sängers und Rock & Roll-Originals Ray Stanley, der dieses Lied zwei Jahre zuvor selbst mit Eddie Cochran an der Gitarre eingespielt hatte. Bis 1961 nahm Diane (gelegentlich auch “Dianne“) Maxwell noch Schallplatten auf, dann lief ihre Gesangskarriere gemächlich aus.
“Dansero” – BILLY MURE’s Rocking Guitars
Im selben Jahr, 1958, wurde ein Album veröffentlicht, das die Werbetrommel für verschiedene regional bedeutende Fernseh-Disc-Jockeys rühren sollte. “TV Record Hop“ erschien u.a. mit Bildern von Buddy Deane (WJZ), Herb Sheldon (WABQ) und Ted Randal (KPIX). Hier sehen sie die texanische Version mit Nick Reyes (KFDA). Die Musik auf dem Album war ein Querschnitt durch die wunderbare Welt der Teenager-Tanzmusik zwischen R&B, Cha Cha und Big Band Jazz. Insbesondere der “Rock-Cha“ wurde als die große neue Welle des Jahres ’58 präsentiert. Der Album-Beitrag “Dansero“ von Billy Mure und seiner Studiocombo The Rockin’ Guitars galt als Hymne dieser Welle.
Billy Mure (eigentlich Sebastian Mure, 1915 – 2013), ein virtuoser Gitarrist für jede Gelegenheit, gehörte zu den Hauptleistungsträgern in der New Yorker Studioszene der 40er bis 70er Jahre. Außerdem wirkte er als Arrangeur und Produzent. Bei “Dansero“ versuchte er erfolgreich, den Sound von Mickey “Guitar“ Baker zu imitieren.
“Track That Cat” – THE BONNIE SISTERS & Mickey “Guitar” Baker
À propos Mickey “Guitar“ Baker:
Auch der (1925 – 2012) war eine viel beschäftigte Größe in den New Yorker Studios, dort vielleicht der meistgebuchte Gitarrist in Sachen Rhythm & Blues. Gemeinsam mit seiner Duett-Partnerin Sylvia Vanderpool schloss er 1955 einen Künstlervertrag für das Duo Mickey & Sylvia bei Rainbow Records ab.
Eine der Hauptattraktionen des Labels hatte Mr. Baker selbst entdeckt: die Bonnie Sisters, deren muntere Rock-A-Mambo-Nummer “Cry Baby“ Anfang 1956 ein Knüller der Saison war. Kein Wunder:
Die drei Mädchen (Pat Ryan, Sylvia Trotter und Jean Borgia) pflegten einen charmant-unbekümmerten Gesangsstil, der sofort beim jungen Rock & Roll-Publikum verfing.
Da Mickey Baker sowieso in der Studio-Begleitband der Bonnie Sisters mitwirkte, war die Idee (vermutlich seine eigene!) naheliegend, ihn bei einer gemeinsamen Nummer besonders herauszustellen. Sylvia Vanderpool spielte die Rhythmus- und Mickey Baker die Lead-Gitarre. Kurz nach Erscheinen von “Track That Cat“ wechselten Mickey & Sylvia das Label und landeten mit “Love Is Strange“ einen der größten Hits der Saison ’56/’57.
“Steamboat” – FRANKIE CASTRO & Carl Stevens Orchestra
Selbst das eigentlich unerschöpfliche Prof. Bop-Archiv hat nichts an Informationen über Frankie Castro zu bieten. Sicher ist nur eins: Er ist nicht identisch mit dem gleichnamigen Elvis-Imitator, den man heutzutage in den USA für jede Gelegenheit mieten kann.
„Steamboat“ war ein 1955 von dem Saxophonisten und Sänger Buddy Lucas (1914 – 1983) komponierter Song der Drifters und immerhin so populär, dass er für den weißen Markt gecovert wurde – eben von „unserem“ Frankie Castro, unterstützt von den Jack Halloran Singers und dem Carl Stevens Orchester.
“Ooba Dabba Dabba Da” – ROMAINE BROWN & The Romaines
Ganz anders sieht die Informationslage in Sachen Romaine Brown aus. Eigentlich studierte er Bratsche am Curtis Institute of Music in Philadelphia. Bei Nacht aber war er der Begleitpianist für den populären Jazz-Sänger George “Bon Bon“ Tunnell. 1943 entschied er sich endgültig für die Jazzmusik und heuerte als Pianist bei den Four Toppers an, aus denen sich in Windeseile die Red Caps entwickelten, die fortan mehr als zwanzig Jahre lang unter verschiedenen Namensvariationen wie The Five Red Caps oder Steve Gibson & The Red Caps zu den erfolgreichsten und fleißigsten Rhythm & Blues-Gruppen Amerikas gehörten. Sie begeisterten schon früh ein weißes Publikum in Hollywood, Atlantic City, Wildwood oder Las Vegas und brachten bereits 1952 rockenden R&B in die Ed Sullivan TV-Show. Nach zehn Jahren bei den Red Caps begeisterte sich Romaine Brown für die Idee, eine eigene Band auf die Beine zu stellen.
Romaine Brown & His Romaines bestanden aus Roy Hayes (Gitarre), Bobby Bushnell (Bass), Henry Tucker Green (Drums), Earl Plummer (Gesang) und Romaine selbst am Klavier. Später stieß noch Earl Edwards (Tenorsaxophon) zur Band.
“Ooba Dabba Dabba Da“ erschien im Oktober 1956 und war die vorletzte Veröffentlichung der Band, ehe sie 1959 auseinander ging und Romaine Brown für ein Jahr zu den Red Caps zurückkehrte. Er starb im Juni 1986 im Alter von einundsiebzig Jahren.
“Ain’t Gonna Throw Any Rice” – RUTH WALLIS & Jimmy Carroll Band
Wie keine andere amerikanische Vokalistin verkörperte Ruth Wallis (1920 – 2007) das sündige Lied. Zunächst noch eine für die Swing-Ära typische Big-Band-Sängerin, begann sie schon früh, sich ein eigenes Programm für Nachclub-Engagements zu erarbeiten, das sich mit dem Themenkomplex Sex beschäftigte.
Alle ihre Lieder (und sie sang nur Selbstkomponiertes!) setzten sich frivol bis schlichtweg pornographisch mit dem Thema Nummer 1 auseinander. Nicht selten wurde sie auf der Bühne verhaftet und aus der Stadt geworfen. Regelmäßig wurden ihre Schallplatten konfisziert, wurden Rundfunk-Einsätze ihrer Songs verboten. Kein Wunder, dass es schwer für sie war, eine Plattenfirma zu finden, deren Mut soweit reichte, das jährliche Song-Oevre der Wallis in angemessener Form zu veröffentlichen. So gründete sie 1952 mit zwei Geschäftspartnern die eigene Marke Wallis Original, auf der fortan ihre gesammelten Werke erschienen.
Mit ihrem 1959er Album „Love Is For The Birds“ beschritt sie neue Wege:
Hier beleuchtete sie die eher bittersüßen Seiten der Liebe, begleitet vom Bandleader Jimmy Carroll, der im Laufe seiner langen Karriere auch als musikalischer Begleiter solcher Stars wie Cab Calloway oder Marlene Dietrich gearbeitet hat. Die Rock & Roll-Nummer „Ain’t Gonna Throw Any Rice“ ist einer der besten Songs des Albums.
“Mambo Gunch” – CHRIS POWELL & The Blue Flames
Ähnlich wie Steve Gibson & The Red Caps oder Romaine Brown & His Romaines waren Chris Powell & The Blue Flames eine Gruppe, die sowohl für geschmeidigen Vokalgruppensound als auch für deftige Combomusik stand. Bevor sich der Schlagzeuger Chris Powell anschickte, als R&B-Bandleader in Philadelphia sein Glück zu versuchen, erspielte er sich u. a. in der legendären Swing-Band des Bassisten John Kirby einen exzellenten Ruf.
Mitglieder der Blue Flames neben Chris Powell waren Vance Wilson (Tenorsaxophon, Bongos), Duke Wells (Piano), die beiden Gitarristen Eddie Lambert und Bill Jennings, James Johnson (Bass) sowie der Sänger Johnnie Leak alias “Johnnie Echo“. “Mambo Gunch“ ist nicht viel mehr als ein 1954 mal eben so hingehauener B-Seiten-Jam – und doch bleibt das Trommel- und Shout-Inferno auf Dauer nicht ohne Reiz.
“Wine, Women & Gold” – THE CARSONS & Perry Botkin Band
Die ungewöhnliche Rock & Roll-Nummer “Wine, Women And Gold“ stammt aus der Feder einer der speziellsten Figuren der Musikszene der 40er und 50er Jahre: eden ahbez (eigentlich George A. Aberle, 1908 – 1995). Dieser Mann legte stets Wert darauf, dass sein Name nur in Kleinbuchstaben geschrieben wurde – die Großbuchstaben waren seiner festen Überzeugung nach den Göttern vorbehalten. In den 40er Jahren lebte er als Proto-Hippie in einem Zelt unter dem ersten “L“ des großen “Hollywood“-Schriftzuges oberhalb von Los Angeles und versuchte, seine Kompositionen an populäre Sänger zu verkaufen. Seinen Durchbruch als Songschreiber schaffte er mit “Nature Boy“, das in der Fassung von Nat King Cole ein Millionseller und einer der größten Hits des Jahres 1948 wurde.
In den folgenden Jahren schrieb eden ahbez noch weiter hymnische Lieder, darunter eine auf “Nature Boy“ basierende Suite für den Sänger Herb Jeffries, und nahm gegen Ende des nächsten Jahrzehnts sogar ein eigenes Album mit faszinierender Exotica-Musik auf. Die meisten seiner veröffentlichten Kompositionen waren aber leicht ins Schräge spielende Rock & Roll-Nummern wie “Wine Women And Gold“, die er mit Vorliebe seinem Freund Don Carson anbot. Der leitete die Vokalgruppe The Carsons, bei der Linda Peters, Peggy Spencer und Bryan Peters mitsangen. Begleitet wurden die Carsons von einer weiteren legendären Figur: Perry Botkin (1907 – 1973). Botkin war einer der ersten Jazz-Gitarristen, die schon Ende der 20er Jahre in den Jazzbands die Ablösung des Banjos durch die Gitarre betrieben. Seit den 30er Jahren war er als Studiomusiker, Komponist und Arrangeur für Rundfunk, Schallplatten, Tonfilm und später Fernsehen einer der Hauptleistungsträger in der Musikszene von Hollywood. Die Aufnahmesession mit den Carsons wird für Perry Botkin damals, 1955, nur ein Job von vielen gewesen sein, aber immerhin brachte er dazu seinen Sohn Perry Botkin Jr. mit, der hier die Ukulele spielte und später mit überaus großem Erfolg in die Fußstapfen seines Vaters trat.
Der Leiter der Carsons, Don Carson, machte mit seiner Gesangsgruppe weiter und veröffentlichte im Laufe der folgenden Jahre Schallplatten unter den verschiedensten Künstlerbezeichnungen wie z.B. Don Carson & The Casuals oder Don Carson & The Whirlaways, zu denen eden ahbez immer mal eine Kompositionen beisteuerte.
“Mexican Rock” – CARL “ACE” CARTER
Eigentlich war Carl “Ace“ Carter (1931 – 1996) ein Jazzpianist von Rang, aber die Aussicht auf Ruhm und Reichtum in Form einer Rock & Roll-Produktion war zu süß und verlockend, um sich das Leben unnötigerweise mit musikalischem Purismus schwer zu machen.
So kam es 1958 zur Veröffentlichung des “Mexican Rock“, der mit seinem orientalischen Flair auch ohne Weiteres “Arabian Rock“, “Turkish Rock“ oder „Persian Rock“ hätte heißen können. Seinem eigentlichen musikalischen Idol Count Basie kam Carl “Ace“ Carter viel später ganz nahe, als er nach dessen Tod 1984 den Job des Pianisten der Count Basie Big Band erhielt.
“My Funny Valentine” – MERI ELLEN & Her Cohorts
Im Grunde eine schöne Geschichte: Eine obskure kleine Band spielt in irgendeinem Nachtclub, wird entdeckt und man bietet ihr nicht nur einen Schallplattenvertrag an, sondern sorgt auch noch dafür, dass der größte Star des Labels bei den Aufnahmen als Gastmusiker mitwirkt. Genau so spielte sich das Geschehen um das erste und einzige Album von Meri Ellen & Her Cohorts ab. Dieses Quartett (neben der Sängerin Meri Ellen waren noch drei anonym gebliebene Sänger und Instrumentalisten an Akkordeon, Gitarre und Kontrabass mit von der Partie) überzeugte die maßgeblichen Männer bei Design Records… aber nicht so sehr, dass man ihnen die Einspielung des Albums ganz allein anvertrauen wollte. Also wurde die Gruppe im Studio noch um zwei zusätzliche Musiker verstärkt: Zum Aufpeppen des Rhythmus engagierte man den namhaften Jazzdrummer Howie Mann (1927 – 2001). Dazu kam der größte Name des Design-Labels, der unvergleichliche Don Elliott (1926 – 1984)! Dieser Multi-Instrumentalist spielte Vibraphon, Trompete, Mellophon (eine jazzfähige Variante des Waldhorns) und Bongos. Zudem war er ein ungewöhnlich guter Sänger und sah aus wie ein Filmstar. Er veröffentlichte zahlreiche Alben unter eigenem Namen und wirkte bei unzähligen Aufnahmesitzungen als Studiomusiker mit. Kurz: eine echte Größe!
Das Album von Meri Ellen & Her Cohorts scheint (Zeitgründe? Kostengründe?) an einem einzigen Nachmittag eingespielt worden zu sein. Man hat das Gefühl, dass Don und Howie mal eben so mitspielten und schnell wieder weg mussten (oder wollten? Oder noch eine Verabredung mit Meri ohne die Cohorts hatten?).
„My Funny Valentine“ entstammt dem 1937er Erfolgsmusical „Babes in Arms“ von Richard Rodgers und Lorenz Hart und gehört zu dem absoluten Klassikern des American Songbook.
Viel Spaß mit dieser Version!
Things were a little different at Fortune Records in Detroit. Especially the quality of the studio. And the shirt-sleeved professionalism of the musicians. The company was founded in 1946 by Devora Brown and published new material until the 1970s. However, almost everything that appeared on Fortune or the sister label Hi-Q in the early and mid 60s sounded like cutting-edge music from an era at least ten years earlier. Just the two records that make up Bobby Bernell’s audible work are prime examples of this. In 1964 his rockabilly single “Move Over Big Dog” came out. It sounded as if it had been made in Memphis a decade earlier. His rhythm & blues effort “Stay Away From Me”, recorded two years earlier together with the vocal group The Dreamtones, epitomizes the typical do-it-yourself charm of Fortune Records.
In the 1950s, the trio line Hammondorgel / Tenor Saxophone / Drums was omnipresent in the USA. Whether jazz club, R&B shed, dance bar or senior afternoon: everything could be entertained in this cast, especially since the Hammond player also took over the function of the bassist with his bass pedals and could save a man. So also economically interesting! The John Buzon Trio could play everything – so versatile was the repertoire of the three musicians Jack Russell (drums), Loren Holding (saxophone, clarinet and flute) and John Buzon (Hammond organ). On “Inferno!”, the first of her three albums released in 1959, they demonstrated the versatility of their repertoire and their suppleness when it comes to combining two styles on request.
Rock & roll? Mambo? No problem – “Mambo Rock”!
Incidentally, this “Mambo Rock” is a completely different number than the song of the same name that Mike Pedicin and Bill Haley recorded a few years earlier.
In 1964, the Seattle / Washington-based “Bolo” brand proudly released an album of its previously released local hits. The record was not missing the 1962 success number “Hey Mrs. Jones” by Tiny Tony & The Statics.
This black and white Sextet from Burien, Washington, consisting of Anthony “Tiny Tony” Smith (vocals), Merrilee Gunst (Wurlitzer piano, vocals), Karl Peters (drums), Bruce Robertson (bass), Neil Rush (tenor saxophone) and Jim Spanos (guitar) was one of the top combos at the college parties between Seattle and Tacoma.
“Hey Mrs. Jones” was just a regional hit, but the song itself came around:
There were cover versions u.a. by Jimmy Witherspoon, Ramsey Lewis and the Buddy Morrow Big Band.
Merrilee Gunst married Neil Rush, henceforth named Merrilee Rush, and became a major pop star by the end of the decade with the title “Angel Of The Morning.” Was she still thinking back to that distant day in the little Bolo studio, playing the role of Mrs. Jones behind her electric piano?
When in 1954 “Party Time” was recorded by The Ray-O-Vacs, the band had a great stylistic and personal molt behind them. Five years earlier they had appeared on the scene: elegant and jazzy combo sound, casual interpretations of well-known pop songs (their version of “Besame Mucho” was one of the R & B top hits of 1950), borne by the slightly drowsy voice of Lester Harris (actually Harry Lester) – irresistible, as dozens of recordings proved again and again.
The band consisted of the aforementioned Lester Harris (vocals and Cocktaildrums, a kind of mini drums, then widely used as a sideline for singers), Leopard “Chink” Kinney (tenor saxophone), Joe Crump (piano) and the band leader Jackson “Flap” McQueen (Bass). In 1951 Lester Harris left the group and tried a solo career. He died in February 1953 at the age of thirty-three.
His successor was the vocally similar Herb Milliner. There were more records, also with the singer Babe Hutton (on some presses as “Babs Hallaman” expelled). And then the hour of William Walker struck. He brought as a new fifth man not only an edgy-sounding guitar in the band, but also understood a rough and impetuous, somehow rural and gospel-like shout vocals.
A first example of the “new” Ray-O-Vacs sound came out in early 1954 on the microscopic Emjay label, “Having A Ball Tonite” – almost in camera.
But then the same year, the arranger, composer and producer Howard Biggs took on the matter.
He ordered the band a good studio, the song a bit more arrangement, gave him the new title “Party Time” and gave the band a contract with the Kaiser label. Two years later Atlantic released the recording on his Atco label.
Much effort for a song that ultimately failed.
The Ray-O-Vacs said goodbye to the music scene in the late 1950s.
At the beginning of the 60s, the french record market was blessed with a steady succession of Charly Green releases. There was no consistent style or cast – some music historians even suggest that Charly Green is merely a pseudonym under which the recordings of various studio groups have been grouped together. Might be…”Darling” from 1962 remains an excellent, rousing shuffle number.
Arthur Prysock (1924-1997) was a member of the mighty Baritone family that appeared everywhere in the mid-1940s. Almost every rhythm & blues bandleader was looking for his own Billy Eckstine imitator and Arthur Prysock was awarded the contract by Buddy Johnson, the “King Of The One Nighters”. After eight years with the Johnson Orchestra, Prysock went independent in 1952 and remained until his death one of the most popular black entertainers with hits until the 70s, an (albeit short-lived) own TV show and various Grammy nominations.
For the acclaimed ballad specialist Arthur Prysock, the idea of recording Roy Brown’s 1947 R & B classic “Good Rockin ‘Tonight” in a row with Wynonie Harris and Elvis Presley was definitely a B-side project. And so this number found on the back of his 1960s single “My Everything”.
Who was Crazy José? The cover text of the 1959 published only Crazy José album is indeed chatty beyond measure, but reveals nothing at all. After all, there are three names: producers Herb Wasserman and Ray Passman, who also co-composed five different numbers of the album in different constellations. Another name is Dwier, who has written two of the pieces, including the “Tea House Blues”.
For all secrecy: The concept of crazy rock-chas with moody piano was on point!
Uh … Oh … Pat Morrissey … ..
For some people, she is considered to be one of the top 5 jazz singers of all time. Others simply consider her the most beautiful vocalist of the 50s. But most have never heard of her.
Pat Morrissey was born in 1929 and experienced her entry into show business as a children’s actress in radio radio plays. As a singing professional, she made her debut in 1952 at a nightclub in Florida. Her talent quickly spread and she performed in clubs like New York’s La Vie En Rose and Crescendo in Hollywood.
At the end of 1953, the adjacent photo was published. It was part of the press announcement that this platinum blonde newcomer was to act in a movie about Mae West.
The film never came out. But recordings – there were! A handful of singles and two long-playing records eloquently testify her special singing skills.
“Why Don’t You Do Right” is originally a 1941 blues classic by Lil Green. In 1943, Benny Goodman’s version was released with singer Peggy Lee, but in 1957 the number was part of Pat Morrissey’s first album – a sensation!
Unfortunately, a sensation without widespread effect …
Even in the 50s Pat Morrissey was occasionally heard in London’s nightclubs.
In the early sixties, she moved all the way to England, married a noble millionaire, and from then on rode across the lovely hills of the United Kingdom, dressed in tweed.
One more photo:
A press release dated January 9, 1956: Pat Morrissey introduces a groundbreaking invention to the world in a Chicago beauty salon: a styling hood with built-in speakers! Pure science fiction!
Most buyers of Billy & Lillie‘s 1958 giant hit “La Dee Dah” (and there were many, many buyers …) may have been unaware that they were actually listening to a record from the Billy Ford Combo . The trumpeter Billy Ford (1919-1983) founded his own ensemble in 1945 after years of apprenticeship in renowned orchestras. Depending on their record label the bands which he boarded were called Musical V-8’s or Thunderbirds. Only with Josie he simply acted as the leader of his “combo”. In 1955, at the time of recording “A String Of Pearls”, a standard from the Glenn Miller repertoire, alongside Billy Ford the band probably consisted of Freddie Pinkard (drums), Frisco Bombay (guitar), Howard Anderson (piano), Jimmy Holmes (tenor saxophone) and Frederick “Money” Johnson (bass). Lillie Bryant (the Lillie of Billy & Lillie) joined the group only two years later and the rest is history.
The Four Tophatters, Pat Vassello (trumpet), Carmen Falconieri (guitar), Chet Sondinsky (accordion) and Blazie Pollack (bass) made their debut on the rock & roll stage in 1954. Their debut record “Dim Dim The Lights” attracted so much attention that the number was even covered by Bill Haley, who had at least a number 11 hit. Archie Bleyer, owner of the record label Cadence and producer of The Four Tophatters in personal union, ordered the four top hat wearers (they did not wear these genteel headgear on any of their photos!) from the beginning a studio drummer, which provided for the current Rock & Roll rhythm. In “One Arabian Night” in 1956 he went further: no more trumpet, no accordion, instead two saxophones. Arabia of course …
The Playboys from Philadelphia started around 1951 with the typical “Northern Band Sound” of their hometown. The founder of the group was the saxophonist Ray Dee (actually Ray D’Agostino). After a few reshuffles, regional successes and experimenting with different rhythms and styles in several record companies they succeeded in 1958 with the ballad “Over The Weekend” finally a big hit. The rousing B-side of the single was studiously overlooked by the big crowd. “Double Talk” was a composition of two ex-members of pioneering Rhythm & Blues vocal groups: Leonard Puzey (1926 – 2007) co-founded The Ravens and Gregory Carroll (1929 – 2013) sang with The Orioles for a few years. Since their year together at The Dappers (1956), they worked together as songwriters. “Double Talk” turned out to be an ideal Rock & Roll number that was sung in 1958 by Conway Twitty (as “Double Talk Baby”).
At the time of the recording of “Double Talk”, The Playboys consisted of Ray Dee (tenor saxophone), Ronnie James (guitar), Irv Mellman (piano), Lou Mauro (drums), Joe Franzosa (bass guitar) and the recently joined group singer Sammy Vale. In addition, when recording in the studio an unknown baritone saxophonist was present. Later, the new pianist Russ Conti, a former member of Freddie Bell & The Bell Boys, joined the band. The Playboys released their last record in 1962 and still played live until 1964.
Basically a nice story: An obscure little band playing in some nightclub, being discovered and not only offering her a record deal, but also making sure that the label’s biggest star participates in the recordings as a guest musician. That’s exactly what happened to the first and only album by Meri Ellen & Her Cohorts. This quartet (in addition to the singer Meri Ellen were still three anonymous singers and instrumentalists on accordion, guitar and double bass part of the party) convinced the authoritative men at Design Records … but not so much that they entrust them the recording of the album all alone. So the group was reinforced in the studio by two additional musicians: To spice up the rhythm they engaged the well-known jazz drummer Howie Mann (1927 – 2001). On top of that came the biggest name of the design label, the incomparable Don Elliott (1926 – 1984)! This multi-instrumentalist played vibraphone, trumpet, mellophone (a jazz version of the French horn) and bongo. He was also an unusually good singer and looked like a movie star. He has released numerous albums under his own name and participated in countless recording sessions as a studio musician. In short: a real star!
The album by Meri Ellen & Her Cohorts seems to have been recorded in a single afternoon (time reasons? costs?). You get the feeling that Don and Howie were playing along and had to leave quickly (or did they want to make an appointment with Meri without the cohorts?).
“My Funny Valentine” comes from the 1937 hit musical “Babes in Arms” by Richard Rodgers and Lorenz Hart and is one of the absolute classics of the American Songbook.
Have fun with this version!
Actually, Carl “Ace” Carter (1931-1996) was a well known jazz pianist, but the prospect of fame and fortune in the form of a rock & roll production was too sweet and tempting to make life unnecessarily difficult with musical purism.So in 1958 it came to the release of the “Mexican Rock”, wich with its oriental flair also could have been called “Arabian Rock”, “Turkish Rock” or “Persian Rock” . Carl ‘Ace’ Carter came very close to his actual musical idol Count Basie, when, after his death in 1984, he became pianist of the Count Basie Big Band.
The unusual Rock & Roll number “Wine, Women And Gold” comes from the pen of one of the most special figures of the music scene of the 40s and 50s: eden ahbez (actually George A. Aberle, 1908 – 1995). This man always insisted that his name be written in lower case only – the capital letters were, in his firm belief, reserved for the gods. In the 1940s, he lived as a proto-hippie in a tent under the first “L” of the large “Hollywood” lettering above Los Angeles, trying to sell his compositions to popular singers. His breakthrough as a songwriter he made with “Nature Boy”, which was in the version of Nat King Cole a Millionseller and one of the biggest hits of 1948.
In the following years, eden ahbez continued to write anthemic songs, including a “Nature Boy” based suite for singer Herb Jeffries, and by the end of the next decade, he even recorded his own album of intriguing exotic music. Most of his published compositions, however, were easily into the weird rock & roll numbers like “Wine Women And Gold,” which he fondly offered to his friend Don Carson. He directed the vocal group The Carsons, in which Linda Peters, Peggy Spencer and Bryan Peters sang along. The Carsons were accompanied by another legendary character: Perry Botkin (1907 – 1973). Botkin was one of the first jazz guitarists who replaced the banjo by the guitar in jazz bands of the late 20s. Since the 1930s he has been a studio musician, composer and arranger for radio, records, film and later television. He was one of the main service providers in the music scene in Hollywood. The recording session with The Carsons for Perry Botkin back in 1955 would have been just a job for many, but at least he brought his son Perry Botkin Jr. with him, who played the ukulele here and stepped later with great success in his father’s footsteps.
Carson’s director, Don Carson, continued with his vocal group, releasing records under various artist’s titles over the following years. Don Carson & The Casuals or Don Carson & The Whirlaways, to which eden ahbez contributed a composition from time to time.
Similar to Steve Gibson & The Red Caps or Romaine Brown & His Romaines, Chris Powell & The Blue Flames were a group that stood for both smooth vocal group and solid combo music. Before the drummer Chris Powell got ready to try his luck as a R & B bandleader in Philadelphia, he played, amongst others, in the legendary swing band of bassist John Kirby and earned an excellent reputation. Members of the Blue Flames alongside Chris Powell were Vance Wilson (tenor saxophone, bongos), Duke Wells (piano), guitarists Eddie Lambert and Bill Jennings, James Johnson (bass) and singer Johnnie Leak aka “Johnnie Echo”. “Mambo Gunch” is not much more than a B-side jam just made in 1954 – and yet the drum and shout inferno will not be without charm in the long run.
Like no other American vocalist, Ruth Wallis (1920 – 2007) embodied the sinful song. Initially a swing band-era big-band singer, she soon began developing her own program for after-club engagements, which dealt with the subject of sex.
All her songs (and she sang only self-composed!) dealed with frivolous to simply pornographic as the issue number one. Not infrequently she was arrested on stage and thrown out of town. Their records were regularly confiscated, broadcastings of their songs were banned. No wonder it was hard for her to find a record company with enough courage to adequately publish the annual song-oeuvre of the Valais. So she founded in 1952 with two business partners the own brand Wallis Original, on which her collected works appeared.
She broke new ground with her 1959 album “Love Is For The Birds”:
Here she illuminated the rather bittersweet sides of love, accompanied by bandleader Jimmy Carroll, who has also worked as a musical accompanist for such stars as Cab Calloway or Marlene Dietrich in the course of his long career. The rock and roll song “Is not Gonna Throw Any Rice” is one of the best songs on the album.
The information situation regarding Romaine Brown looks completely different. He actually studied viola at the Curtis Institute of Music in Philadelphia. At night, however, he was the accompanist pianist for popular jazz singer George “Bon Bon” Tunnell. In 1943 he finally decided to play jazz music and hired as a pianist at The Four Toppers, from which quickly developed The Red Caps, which henceforth belonged more than twenty years under different name variations such as The Five Red Caps or Steve Gibson & The Red Caps to America’s most successful and industrious Rhythm & Blues groups. They inspired a white crowd early in Hollywood, Atlantic City, Wildwood or Las Vegas and brought already in 1952 rocking R & B on the Ed Sullivan TV show. After ten years with The Red Caps, Romaine Brown got excited about the idea of setting up his own band.
Romaine Brown & His Romaines consisted of Roy Hayes (guitar), Bobby Bushnell (bass), Henry Tucker Green (drums), Earl Plummer (vocals) and Romaine himself at the piano. Later, Earl Edwards (tenor saxophone) joined the band.
“Ooba Dabba Dabba Da” was released in October 1956 and was the penultimate release of the band before it split in 1959 and Romaine Brown returned to The Red Caps for a year. He died in June 1986 at the age of seventy-one.
Even the inexhaustible Prof. Bop archive has no information to offer about Frankie Castro. Sure is only one thing: He is not identical with the eponymous Elvis impersonator, which can be rented in the US for any occasion nowadays.”Steamboat” was a drifters’ song composed in 1955 by saxophonist and singer Buddy Lucas (1914-1983) and, after all, so popular that it was covered for the white market – just by “our” Frankie Castro, supported by The Jack Halloran Singers and The Carl Stevens Orchestra.
Speaking of Mickey “Guitar” Baker (1925 – 2012):
He also was a busy big guy in the New York Studios, maybe the most booked guitarist in Rhythm & Blues. Together with his duet partner Sylvia Vanderpool in 1955 he signed an artist contract for the duo Mickey & Sylvia at Rainbow Records.
One of the main attractions of the label Mr. Baker had discovered himself: The Bonnie Sisters, whose lively Rock-A-mambo number “Cry Baby” was a hit of the season early in 1956. No wonder:
The three girls (Pat Ryan, Sylvia Trotter and Jean Borgia) had a charming, carefree singing style that caught the young Rock & Roll crowd.
Since Mickey Baker was part of The Bonnie Sisters studio band anyway, the idea (presumably his own!) was obvious to make him stand out with a common number. Sylvia Vanderpool played the rhythm guitar and Mickey Baker the lead guitar. Shortly after the release of “Track That Cat” Mickey & Sylvia changed the label and landed one of the biggest hits of the season ’56 / ’57 with “Love Is Strange”.
In the same year, 1958, an album was released which should do some promotion for several regionally important television disc jockeys. “TV Record Hop” appeared among others with pictures by Buddy Deane (WJZ), Herb Sheldon (WABQ) and Ted Randal (KPIX). Here you can see the Texan version with Nick Reyes (KFDA). The music on the album was a cross section of the wonderful world of teenage dance music between R & B, Cha Cha and Big Band Jazz. In particular, the “Rock-Cha” was presented as the big new wave of the year ’58. The album contribution “Dansero” by Billy Mure and his studio combo “The Rockin ‘Guitars” was the hymn of this wave.
Billy Mure (actually Sebastian Mure, 1915-2013), a virtuoso guitarist for every occasion, was one of the main contributors to the New York studio scene of the 1940s-70s. He also worked as an arranger and producer. At “Dansero” he successfully tried to mimic the sound of Mickey “Guitar” Baker.
Constantly searching for teenage talent, songwriter and music publisher Billy Sherman became aware of the just sixteen-year-old Diane Maxwell in 1958 during an amateur competition at the George Washington High School in Los Angeles. He gave her an appearance on Lawrence Welk’s prestigious television show, captivating the audience with her version of “As Time Goes By.”
After some commitments on the television show “Breakfast Club” the even young label Challenge, whose co-founder was the singing cowboy star Gene Autry, offered her a record contract.
In October 58, Diane had just celebrated her seventeenth birthday, their album “Almost Seventeen” was recorded, whose repertoire consisted largely of elaborately produced ballads. For the exotic content of the program “Love Charms” was provided, a composition of the bustling pianist, singer and rock & roll original Ray Stanley, who had recorded this song two years earlier, even with Eddie Cochran on the guitar. Until 1961 Diane (occasionally also “Dianne”) Maxwell recorded records, then her vocal career was slowing down.
Bruno, his Guitar & his Brunos … one of the great mysteries of music history … or even not, because if you pull together all the evidence and add two and two, you get closer to solving this puzzle quickly.
Bruno … guitar … de Filippi … the sound …
Again, we end up in the music scene of Philadelphia, whose main protagonists were mostly Italian-Americans. One of the most popular bandleaders for a long time was Frank Virtue (actually Frank Virtuoso, 1923-1994), who produced some local successes over the years with his various bands and came to international hit honors in 1958 with the “Guitar Boogie Shuffle”. His lead guitarist was James Bruno pictured here.
Since Frank Virtue produced his own recordings in his own studio, sold several of these recordings under various names to various labels and the sound of the Brunos exactly matches that of The Virtues, it seems reasonable to assume that this recording is more or less a number of The Virtues, in which the role of the internal combo bandleader has been passed to his colleague Bruno. Should this qualified theory be correct, probably the musicians Ralph Federico (piano), Frank Virtue (bass), Joe Vespe (drums) and Joe Renner (tenor saxophone) were involved in the recording.
The title “Too Much Chianti” from 1961 naturally plays on the previous year’s hit of The Champs “Too Much Tequila”.
The recordings of Bruno, his Guitar & his Brunos were also released in France and Italy.
Also Mike Pedicin, who died in 2016 at the age of 99, was a big name in the early Rock & Roll scene of Philadelphia. He formed his first swing combo as early as 1940. One of the founding members was the later Rock & Roll legend Dave Appell, another the bassist Lou de Francis, who spent his entire musical career with Mike Pedicin. The combo of Mike Pedicin was one of the first white ensembles who experimented with rock & roll experiments in the clubs of Philadelphia and in the nearby holiday paradise Wildwood, New Jersey – at the same time as other pioneers like Jimmy Cavallo, Charlie Gracie and Bill Haley. “The Dickey-Doo” was the 1958 attempt to establish a dance craze for Dick Clark’s TV show “American Bandstand”. The title of the song referred to Dick Clark’s son Dickie. The other side of the single was a re-release: as early as 1954, Mike Pedicin’s “Shake A Hand”, the cover version of the ’53er R & B hit by Faye Adams, first came out. Now, in the second attempt, the number became the biggest hit for the Pedicin Quintet. However, the “Dickie-Doo” was quickly forgotten. Until now.
At the time of this recording, the Mike Pedicin Quintet consisted of the bandleader (alto saxophone), Sam Cocchia (aka Sam Cooke, guitar), Buddy La Pata (piano), Lou de Francis (bass) and Al Mauro (drums, vocals).
“We Like Birdland” in the version of The Satellites first appeared in 1960 on the small Palace label. After that, the single was re-released on various brands until 1964 in Europe and the US. After the saxophonist Joey Ambrose (born 1934, also known as Joey d ‘Ambrosio) left Bill Haley & The Comets in 1955 together with the bassist Marshall Lytle and the drummer Dick Richards, the three founded The Jodimars, who were the most popular Rock & Roll Acts in Las Vegas for a few years. After the end of The Jodimars Ambrose went back to his hometown of Philadelphia and formed The Satellites, which also appeared in the lounges of Las Vegas shortly after the founding of the band.
Joe Ambrose spent most of his musical life on the stages and in the orchestra ditches of the gambling metropolis, until he regularly went on tour around the world in the 90s as Bill Haley’s Original Comets with his old colleagues from The Jodimars and other former Comets.
Saxophonist, pianist and vocalist Al Brown (1929 – 2009) has been the Doyen of the Baltimore Rhythm & Blues scene for many years. Even his father Alphonse was a popular jazz musician and amongst others he played for a while in the orchestra of Don Redman. His three sons Al Jr. (tenor saxophone, piano, vocals), Charles (alto saxophone) and Donald (trumpet, vocals) took up the same profession and founded together with Grafton Martin (guitar), Andrew Walker (bass), Orney Pate (drums) and Cookie Brown (vocals) The Tunetoppers, who, led by Al, became a sought-after backing band for package tours through the eastern states of the South. The recordings regularly included Baltimore jazz legend Mickey Fields (tenor saxophone, piano).
After Al Brown’s single “The Madison” initiated a worldwide dance craze in 1960, an album and a handful of other singles appeared under the name Al Brown & His Tunetoppers, partly with the Baltimore band, partly recorded with New York studio musicians. “Take Me Back” also came out in 1960. Al Brown died in 2009 at the age of 79.
More from Al Brown & His Tunetoppers on Down At The Ugly Men’s Lounge Vol.2
Welcome to the Ugly Men’s Lounge!
Our jukebox is peppered with preciosities of the music history until 1962: rock & roll, rhythm & blues, mambos, cha chas, exotic sounds and unbelievable strange stuff!
The history of music holds more secrets than you could imagine…
„Down At The Ugly Men’s Lounge“ will give you a hand to uncover a few of them.
To read the facts about the artists of “Down At The Ugly Men’s Lounge” visit this site.
Further english informations will follow as soon as possible.
Have fun!
Prof. Bop
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